HISTORIAS DE LISBOA, (1995, PORTUGAL).-

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“ES PURA Y POR TANTO, VERDADERA Y BELLA. INOCENTE.”

• DIRECTOR: Wim Wenders.-
• GUIÓN: Wim Wenders.-
• FOTOGRAFÍA: Lisa Rinzler(C).-
• REPARTO: Rudiger Vogler, Patrick Bauchau, Teresa Salgueiro, Vasco Sequeira, Manoel de Oliveira.-
• MÚSICA: Madredeus y Jurgen Knieper.-
• GÉNERO: Drama.-
• AÑO: 1995.-
• PRODUCTORA: Road Movies Filmproduktion.-
• DURACIÓN: 100 min.-
• TÍTULO ORIGINAL: “Lisboa Story”.-
• PAÍS: Portugal.-

Con esta película Wenders retoma algunas de sus antiguas ideas, anteriores a su éxito con “París Texas”, que es en cierto modo el punto de inflexión en su carrera.

Un director de cine le pide a su técnico de sonido y amigo, que viaje desde Alemania a Lisboa, para trabajar juntos, cuando llega se encuentra con que éste ha desaparecido y decide grabar el sonido de varios rollos de película que encuentra en la casa del director.

Escoge como actor principal a Rüdiger Vogler, en el papel de Winter, el técnico de sonido, que ya fué actor fetiche en su primera etapa, en la que creo que realizó sus mejores películas, ahi están “Alica en la ciudades” o “Falso Movimiento”. Vogler sigue en forma y sobre todo sigue siendo un actor capaz de transmitir todos esos sentimientos y sensaciones del universo de Wenders, tal y cómo lo entiende el propio Wenders. Es sin duda el mejor mensajero del director.

El otro protagonista es Patrick Bauchau, en el papel del cineasta. Ya había trabajado con Wenders en otra gran película como es “El estado de las cosas”, de la cual toma en parte el tema principal, el rodaje de una película en Portugal.

La película es alud de ambición sentimental y cinematográfica por infinitas razones. Trata temas universales como el amor, la soledad, la ambición, el tiempo o la religión. Aún siendo ideas simple, son siempre la base para construir una buena historia. Si analizaramos la filmografía de Orson Welles por ejemplo, resulta obvio que todas sus historias están basadas en ideas universales y sencillas. Creo que Wenders y Welles comparten esa sensación y una innegable capacidad para la  independencia y libertad, tan mal vista por el gran público y la industria cinematográfica.

Otra idea es la visión del artista como alguien que recrea el mundo, que juega a ser dios. Wenders plantea esta idea dialécticamente, pero también lo hace mediante imágenes, mostrandonos una visión particular de Lisboa, a su manera, de una forma incluso neorrealista y a la vez muy particular. Muy en relación con “F for Fake”.

La cinta es un homenaje a los técnicos de sonido en el cine, nos muestra a modo casi de documental qué son y cómo se utilizan los efectos de sala, o foley. De cualquier forma muestra un profundo amor por el cine.

También presenta la idea del cine como memoria, y este es el tema principal de la cinta. Lo hace de forma ambigüa, duda si el cine es memoria universal o particular y lo hace de una hermosa forma, rinde un bello homenaje a Dziga Vertov y su película “El hombre con la cámara”. Hay otros homenajes, a Chaplin, Keaton y en el trasfondo aparece el inolvidable Linder. Sin olvidarnos de Manoel de Oliveira o Fernando Pessoa.

Es una gran película, y ya he perdido la cuenta en su filmografía, pero es sobre todo la confirmación de que el cine independiente no es “jugar a hacer cosas extrañas y sin sentido”, si no crear buenas historias y hacerse las preguntas adecuadas, para tratar de alcanzar la personal satisfacción a través del arte.

“EN UN LUGAR SOLITARIO” (1950).-

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“VIVÍ UNAS SEMANAS MIENTRAS ME AMASTE”. “RETRATO DE UN “KILLER” SENTIMENTAL”.-

• DIRECTOR: Nicholas Ray.-
• GUIÓN: Andrew Solt.-
• FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey (BYN).-
• REPARTO: Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donnell, Martha Stewart, Carl Benton Reid, Art Smith, Morris Ankrum, Steven Geray, William Ching.-
• MÚSICA: George Antheil.-
• GÉNERO: Cine Negro, Drama.-
• AÑO: 1950.-
• PRODUCTORA: Universal Pictures.-
• DURACIÓN: 91 min.-
• TÍTULO ORIGINAL: “In a lonely place”.-
• PAÍS: U.S.A.-

Ray había sido ayudante de dirección de Elia Kazan, cuyas clases de dirección de actores, famosas por llevar siempre hasta el límite a sus estudiantes, le marcaron para siempre. Antes de rodar su obra más representativa bajo contrato con la Warner, la inolvidable “Rebelde sin causa”, rodó este híbrido drama, con su particular estilo, que tomando las características principales del cine negro, se introduce en un cine de autor siempre estusiasmado por explorar los límites de los sentimientos humanos. Esta idea se podría aplicar a la mayoría de las películas de Ray, convirtiéndolo en un director diferente, siempre alejado en cierta medida del mainstream, por su especial carácter.

El guión de “En un lugar solitario”, se basa en la novela homónima de Dorothy Hughes, publicada en 1947. Retrata la figura de un guionista cinematográfico en horas bajas, de repudiable carácter, desde la perspectiva que el  film noir había hecho inmensamente famoso a Humphrey Bogart.  La perspectiva de personajes como Philip Marlowe o Samuel Spade que el irremplazable actor ya había interpretado bajo la tutela de John Huston o Howard Hawks. Estos eternos moradores de la soledad y las sombras, en esta obra se convierten en un ciudadano corriente de la clase media de Hollywood y cuyo auténtico rol en la historia es el de eterno culpable.

Dix Steele es ese guionista violento y conflictivo interpretado magistralmente por mi adorado Bogart, que tiene el arduo trabajo de adaptar al cine un best-seller de escasísima calidad. Tras enterarse en el club que frecuenta, de que Mildred, la chica del guardarropa ha leído la novela, la convence para llevarla a su apartamento y que le cuente la historia. A la mañana siguiente la policía se presenta en el apartamento, situando a Steele como primer sospechoso de la muerte de Mildred.

La película queda definida por la relación entre los dos personajes principales, en un careo entre dos colosos del cine clásico como son Humphrey Bogart y Gloria Grahame. Bogart tenía en su bolsillo a la industria, al público y a la crítica, con sus interpretaciones de tipo duro, sin escrúpulos, solitario y oscuro. Este papel parecía escrito para él. La violencia, la infinita seguridad en sí mismo, la actitud despectiva ante el resto del mundo y unos diálogos genéricos del cine negro, que siempre dan la réplica perfecta al amor incondicional que recibe del personaje de Grahame, dejaron la impronta de un mítico personaje más. Cuando el carácter de las personas es superior a su inteligencia todo está perdido. Cuando la incapacidad de control sobre los instintos y el yo, son superiores a la templanza y la voluntad, el amor se diluye en el miedo y el rencor. El personaje de Bogart convierte el  amor entre ellos, en un lugar solitario.

Gloria Grahame es la abnegada amante. Esa amante que representa con claridad infinita lo que significa algo tan bello como el amor incondicional. Esta actriz parecía haber nacido para el cine negro. Su belleza y su innata capacidad para representar la inocencia hace de ella una actriz perfecta para este papel. Esa misma capacidad la convertiría en una de las actrices por excelencia de los años 50, en películas como “Los Sobornados” (The Big Heat, 1953) o “Deseos humanos”(Human Desire, 1954), ambas del maestro Lang. En este caso su personaje de  extrema inocencia recrea un sórdido drama con un Bogart que se pierde en la mentira, la sordidez y la suciedad moral. Esa belleza de Grahame está cerca de lo salvaje, en un papel más amable, adulto e inteligente a los que acostumbraba, llegando al nivel interpretativo de Rita Hayworth, pero sin el lastre artístico de ser un icono sexual como ella o como lo fuera Marilyn y en algunos casos superando a ambas.

Como cine negro, la película presenta personajes desesperanzados y solitarios, el asesinato necesario para el género y una intriga perfecta que deja en perfecto lugar al montador aparte del director que marca un tempo narrativo perfecto. Pero no hay cine negro sin diálogos sarcásticos, hirientes y salvajes, un claro ejemplo sería una de las frases que más gracia me hizo de la cinta:

¿Sabes que me he casado?

¿Porqué?

No se… tenía unos dólares ahorrados… además me gusta.

La fotografía en blanco y negro de Burnett Guffey, (“Human Desire” Fritz Lang, 1954, “From here to eternity” Fred Zinnemann, 1953)es simplemente perfecta. Jamás exagera con los juegos de luz, en un poema lumínico de sobriedad y elegancia. Deja a un lado los excesos de otras películas del género, para hacer una fotografía coherente, equilibrada y elegante que guía a la película hacia cánones más comerciales, pero también acercándose al estilo del director, que no era amante de improvisaciones o excesos en este sentido. Es más suave y menos personal que la de gente como Greg Toland o Milton Krasner, pero tiene la virtud de la belleza a través de una compleja sencillez.

El uso de la profundidad de campo mezclado con diálogos fuera del plano, donde los dos protagonistas simplemente se miran, son seductores, negros y de una capacidad artística encomiable. Alejan de lo cotidiano al personaje protagonista, para sumergirle en su propio universo, le alejan de lo frívolo y lo banal. Aunque es un personaje con exceso de ego, vanidoso y egoísta, de los que cumplen sus sueños sin esfuerzo. O eso dicen… A Ray le obsesionaban los sentimientos de sus personajes, de ahí esos movimientos de cámara lentos y armoniosos, o esos planos fuera de la conversación.

Me resulta bello verla hoy por las diferencias morales entre sus personajes y los tiempos que vivimos. Destila honestidad y amor por el género. Es una película más amable y más cómica que la media del cine negro de los 40 y al mismo tiempo un drama de magnitudes épicas  y una cinta más oscura en su narrativa que el estilo del propio director.

La Banda Sonora de George Antheil ambienta la obra con instrumentos de cuerda y viento, siendo especialmente incisiva en algunas bellas y bajas notas de violonchelo. Reafirma las ideas estilísticas de Nicholas Ray y profundiza a la perfección en ese deplorable personaje.

Pocas películas han representado la violencia como parte del carácter de una forma tan representativa y cruda. La violencia  “Como el color de sus ojos, o la forma de su cabeza”. Analizando desde dentro el mundo del cine, en una bajada a los infiernos ganada a pulso y con esfuerzo, para tirar por tierra lo que podría haber sido una visita eterna al paraíso. Duele y deja huella. Posiblemente mi favorita de Ray.

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“EL ÚLTIMO MAGNATE” (1976).-

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EL “HASTA LUEGO” DE ELIA.-

• DIRECTOR: Elia Kazan.-
• GUIÓN: Harold Pinter sobre novela de Francis Scott Fitzgerald.-
• FOTOGRAFÍA: Víctor J. Kemper.-
• REPARTO: Robert De Niro, Robert Mitchum, Jack Nicholson, Jeanne Moreau, Dana Andrews, Donald Pleasand, Tony Curtis, Anjelica Huston, Ray Milland, Seymour Cassell, John Carradine.-
• MÚSICA: Maurice Jarre.-
• GÉNERO: Drama, Años 30.-
• AÑO: 1976.-
• PRODUCTORA: Paramount.-
• DURACIÓN: 125 min.-
• TÍTULO ORIGINAL: “The Last Tycoon”.-
• PAÍS: U.S.A.-

Hablar de Elia Kazan es hablar de uno de los grandes directores de la historia del cine. De esos realizadores, que a todos nos vienen a la mente cuando pensamos en los maestros del séptimo arte. Por infinitas razones, pero si tuviera que concretar, por haber rodado obras maestras como “Un tranvía llamado deseo” (“A Streetcar named desire”, 1951) o “La ley del silencio (“On the Waterfront”, 1954) y por habernos dado, a algunos,  la oportunidad de conocer a escritores como Tennessee Williams.

Este turco de nacimiento y estadounidense de adopción, tuvo la oportunidad de despedirse del cinematógrafo a lo grande, con un reparto soberbio y adaptando la brillante novela póstuma de Francis Scott Fitzgerald, titulada en su idioma original, “The Last Tycoon” (1942).

El director realiza un viaje más cerebral que emocional al Hollywood de los años 30. Al Hollywood de la época dorada en el que participó unos cuantos años más tarde. Sin ser para nada cinéfilo o condescendiente, se aproxima a la intrahistoria de la meca del cine, para contarnos como aparte de alfombras rojas, glamur y premios, los actores, directores, productores y demás profesionales de la industria, pierden el orgullo, la dignidad y los pantalones, imbuidos en guerras de poder, ambición y envidia. Un Hollywood, como la vida misma. No hay crítica ni adulación hacia la figura del productor cinematográfico, oficio del protagonista, pero quizá le sirvió a Kazan para arrojar al olvido algún posible desencuentro con los magnates de su profesión.

El mayor valor de esta cinta es haber sabido remedar con auténtica magia, esa época inolvidable para el cine que fueron los años 30 del pasado siglo en Estados Unidos. Con la verdad de alguien que lo ha vivido muy cerca y con el valor de hacerlo 40 años después, en un momento precisamente en el que el cine buscaba especialmente la modernidad y la originalidad frente al clasicismo. Aún así, debido al estilo personal y potente de Kazan, la única referencia  a la que alude claramente es quizá a la película que mejor ha retratado el mundo del cine, “El crepúsculo de los dioses” (“Sunset Boulevard”, 1950) del genio Billy Wilder.

El otro atractivo reseñable de la cinta es sin duda su reparto. Para empezar un Robert de Niro, como principal protagonista, que ese mismo año rodaría la inconmensurable y románticamente salvaje “Taxi Driver” (1976), en una interpretación que coloca la figura del productor cinematográfico en el paraíso tiránico del poder, donde los sueños y el amor no pueden  tener cabida. El mítico y mágico actor, realiza una interpretación por completo alejada del histrionismo y con su particular facilidad para crear bellos universos interiores, que me recuerda en cierta medida al rey del Hampa de la época que rememora, James Cagney. Su personaje me produce una sensación controvertida por la introspección que ofrece la interpretación del actor  en contraposición al propio personaje, un líder nato. Una de esas escenas inolvidables la crearán De Niro y su majestad sarcástica, el Sr. Jack Nicholson, cuyas porfías han dejado al menos esa escena para el recuerdo. Otro indiscutible de la pantalla grande, que habiendo cumplido sus inequívocos deseos de rodar numerosos clásicos, se despacha a cuerpo de rey de escena en escena. Hablo del vaquero Robert Mitchum, que se adapta a la perfección al estilo de Kazan, llenando la pantalla del más puro clasicismo y la elegancia de su actuación deja patente el buen estado de forma en el que se encontraba en 1976. Pero por si eso fuera poco, Kazan se encarga de que desfilen a 24 fotogramas por segundo, Tony Curtis, Jeanne Moreau, Dana Andrews o el incansable Donald Pleasance, que van situando la cinta en un maravilloso desfile, sobre las miserias del artisteo y en un drama coral bajo la batuta del arbitrario déspota de Robert De Niro.

El trabajo de Kazan mantiene el estilo que exhibía en sus clásicos de los 50, pero lo más interesante es la sensación que me produce esa dirección donde prima la libertad absoluta, para abordar el cine desde la posición de un hombre que lo ha vivido todo dentro del séptimo arte. Su forma de mover la cámara y utilizar el típico plano-contra-plano, se encuentra dentro del paradigma más clásico, pero destila la esencia de un hombre haciendo cine “como le pide el cuerpo”, “como le da la gana”. El tratamiento de los espacios es realmente singular. El uso de espejos para crear distintos espacios en un mismo lugar es realmente curioso. Esto habla de la oportunidad que tuvo Kazan de despedirse del cine con un grupo de actores entre los más brillantes de la época  y haciendo con la cámara lo que realmente le venía en gana. Tengo la impresión de ver al director probando cosas y saciando su curiosidad cinematográfica, a la edad de sesenta y siete años, sabiendo que esta podría ser su última película. El tempo narrativo es del más exhaustivo artesano del cine. Su dilatada experiencia le permite dejar hacer a los actores y verlos desarrollar sus capacidades interpretativas, preocupándose de que las sensaciones lleguen al espectador en el momento preciso y con la intensidad requerida.

Es una pena que la dirección de fotografía no acompañe para nada a una buena dirección y a su excelente dirección de arte, galardonada con el “Oscar”, por la estúpida razón de la moda. El trabajo de Victor J. Kemper, en este aspecto es bastante vulgar y está imbuido por completo en el modo de expresión de su tiempo, sin personalidad ninguna y fotografiando la cinta como si de un thriller cualquiera se tratase. Afea el resultado final y la prueba patente es la escena rodada en blanco y negro que rescata un cuadro perfecto de lo que era el cine en los años cincuenta. En ese momento queda de relieve  el maravilloso estilo de Kazan para con las cámaras, siendo el color un mero obstáculo para desarrollar su magia cinematográfica.

La premiada dirección de arte resplandece ante la cámara, el vestuario, los  peinados, o los  coches de época reafirman la grata sensación de estar viendo cine de época, dándose el lujo de rodar bailes de salón con la misma destreza artística con la que en la época dorada trabajaran Hitchcock o Welles. Los escenarios nos llevan irremediablemente a “El crepúsculo de los Dioses” (“Sunset boulevard”, 1950)  y a la visión del cine que había en esa indiscutible obra maestra de esto que algunos llaman “cine dentro del cine”. Kazan parece querer desvelar ciertos secretos incómodos o quién sabe si autobiográficos sobre su vida profesional y su visión sobre la figura del productor.

La música no consigue poner en situación la mayoría de las escenas, no crea los ambientes adecuados, dejando empobrecida su aportación a la historia y no sabiendo reinventar el modo de llevarnos a los años 30. Minimalista en exceso e impertinentemente afrancesada en un vulgar trabajo de Maurice Jarre.

Una revitalización de mi añorada época dorada de Hollywood, que merece ser repasada por cualquier pretendido cinéfilo, por donde pasea la angosta sombra de Norma Desmond, donde se huele la inhumanidad de los muelles neoyorkinos mientras los poderosos imponen la ley del silencio y donde se oye el eco de los tacones de alguna actriz que no logró subirse a tiempo a este tranvía llamado cine.

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